DOROTHY ASHBY-EEUU

 

Dorothy Ashby fue una arpista, compositora y multi instrumentista estadounidense, reconocida como la figura más influyente en la integración del arpa dentro del lenguaje del jazz moderno. En un género dominado por instrumentos de viento y piano, Ashby transformó la percepción del arpa de ser un adorno orquestal a ser un instrumento solista con capacidad de improvisación bebop.

Nacida en Detroit, Ashby creció en un entorno musical estimulante (su padre era el guitarrista Wiley Thompson). A pesar de enfrentar la doble marginación de su época por ser mujer y afroamericana, logró establecerse como una líder de banda excepcional.

Más allá de su virtuosismo, Ashby fue una activista cultural. Junto a su esposo, fundó el grupo de teatro Ashby Players en Detroit, donde producía obras que abordaban temas de justicia social y la experiencia afroamericana.

Su influencia persiste de manera notable en la música contemporánea. Su catálogo ha sido una fuente inagotable de samples para el hip-hop y su enfoque innovador abrió el camino para arpistas actuales como Brandee Younger.

En resumen, Dorothy Ashby no solo fue una instrumentista brillante, sino una visionaria que rompió barreras de género y estilo, elevando el arpa a nuevas dimensiones de expresión artística.

LILIAN SABA-ARGENTINA

 

Lilián Saba es una de las voces más sofisticadas y esenciales del piano argentino contemporáneo. Su música no se limita a interpretar el folklore; lo reconstruye desde una formación académica rigurosa y una sensibilidad popular profunda.

Su estilo se caracteriza por una "vanguardia silenciosa": no busca el choque rupturista, sino la evolución orgánica de las formas tradicionales (zamba, chacarera, chamamé) hacia un lenguaje de cámara moderno.

Bajo la influencia de maestros como Manolo Juárez, Saba trata al piano no solo como instrumento solista, sino como un ensamble armónico complejo. Su toque combina la precisión del conservatorio con el "mugre" y el swing necesario para que el folklore respire y sea auténtico.

Juega con la birritmia, cambia tonalidades y entra y sale de las estructuras rítmicas con una fluidez que recuerda al jazz, pero manteniendo siempre el "olor a tierra" y la conexión con el paisaje argentino.

Su impacto trasciende el escenario. A través de proyectos como Cajita de Música Argentina, ha codificado el lenguaje de la música de raíz para las nuevas generaciones, estableciendo un puente entre la tradición oral y la escritura técnica.

DAPHNE ORAM-INGLATERRA

 

Daphne Oram (1925-2003) fue una figura fundamental y visionaria en la génesis de la música electrónica. Su enfoque no solo era técnico, sino profundamente filosófico, entendiendo el sonido como una entidad orgánica y maleable.

A finales de los años 40, Oram trabajaba como ingeniera de sonido en la BBC. Durante años, presionó a la directiva para crear un estudio dedicado exclusivamente a la experimentación sonora, inspirada por los avances de la musique concrète en Francia.

En 1958, cofundó el BBC Radiophonic Workshop. Este estudio se volvió legendario por crear efectos sonoros y música para programas icónicos . Fue la primera mujer en dirigir un estudio de este tipo, estableciendo las bases de cómo se produciría el sonido para medios de comunicación en las décadas siguientes.

Oram no solo construyó máquinas; teorizó sobre la relación entre el ser humano y la tecnología en su libro An Individual Note of Music, Sound and Electronics (1971).

Fue la primera persona en diseñar y construir un instrumento electrónico personal y en gestionar su propio estudio independiente (Oramics Studios).

Su trabajo influyó en el desarrollo de los sintetizadores y en la música ambiental y experimental contemporánea.

SINIKKA LANGELAND-NORUEGA

 

En el corazón de Finnskogen, el místico "Bosque de los Finlandeses" en la frontera entre Noruega y Finlandia, la música no es solo un arte, sino una extensión de la tierra misma. Allí habita Sinikka Langeland, una artista cuya biografía y obra son inseparables del paisaje que la rodea. Nacida en 1961 de raíces mixtas noruego-finlandesas, Sinikka encarna el espíritu de los inmigrantes del siglo XVII que llevaron consigo sus creencias chamánicas a los bosques boreales. Su identidad personal es un puente entre el folklore ancestral y la sensibilidad contemporánea, marcada por una vida dedicada a rescatar la tradición oral de la región de Solør.

El eje de su universo artístico es el kantele, el arpa de mesa finlandesa. Bajo sus dedos, este instrumento de cuerdas cristalinas deja de ser una pieza de museo para convertirse en una orquesta de resonancias infinitas. Sinikka no solo interpreta; ella narra a través de las cuerdas, uniendo su voz —una herramienta capaz de alcanzar los matices del runesang (canto rúnico)— con las estructuras de la música antigua. Sin embargo, su genialidad reside en no haberse quedado anclada en el pasado. Al unirse al prestigioso sello ECM Records, logró una fusión magistral con el jazz nórdico, permitiendo que la improvisación moderna respire dentro de las baladas medievales y los himnos religiosos populares.

Escuchar a Sinikka Langeland es asistir a un ritual donde la música borra las fronteras entre lo humano y lo divino, lo antiguo y lo moderno, recordándonos que el arte más profundo es aquel que sabe escuchar el pulso de sus raíces.

NILS PETER MOLVAER-NORUEGA

 

Nils Petter Molvær (nacido en 1960 en Sula, Noruega) no es solo un trompetista; es un arquitecto sonoro. Su carrera despegó en los años 80 y 90, inicialmente con la legendaria banda de jazz-rock Masqualero. Sin embargo, su verdadero golpe de timón llegó en 1997 con el álbum "Khmer", lanzado bajo el prestigioso sello ECM.

"Khmer" es su manifiesto. Fusionó el jazz nórdico contemplativo con electrónica, ambient, drum and bass y música dance. Esta mezcla innovadora lo catapultó a la vanguardia de lo que se podría llamar el "Future Jazz" o "Nu-Jazz".

Su música es atmosférica, cinematográfica y a menudo descrita como una banda sonora para paisajes helados y urbanos a la vez.

Es famoso por su uso magistral de la electrónica en vivo. No se limita a tocar la trompeta; la procesa con loops, delays y reverbs, creando texturas etéreas que hacen que su instrumento suene como un fantasma digital o una orquesta completa.

Ha trabajado con artistas que van desde el guitarrista Bill Frisell hasta el productor de techno Moritz von Oswald (de Basic Channel), demostrando que sus fronteras musicales son inexistentes.

Creció en una isla pequeña de Noruega. Es tentador pensar que esa conexión con la naturaleza agreste y el silencio se filtró directamente en el sonido ambient y expansivo de su música.

En resumen: Nils Petter Molvær es el James Bond de la trompeta: elegante, misterioso y siempre equipado con la tecnología más avanzada para crear su próximo golpe sonoro. ¡Un verdadero placer para los oídos que buscan algo más que "solo jazz"!

MIKA VAINIO-FINLANDIA

 

Mika Vainio (1963–2017) fue un artista finlandés fundamental en la música electrónica experimental y la vanguardia minimalista, explorando corrientes como el glitch, el noise, el drone y el techno minimalista.

Su proyecto más reconocido fue el dúo de música electrónica experimental Pan Sonic (originalmente llamado Panasonic), formado en 1993 junto a Ilpo Väisänen (y Sami Salo hasta 1996). Lanzaron más de una docena de álbumes de estudio.

Además de su trabajo en Pan Sonic, Vainio desarrolló una vasta colección de material en solitario bajo su propio nombre y utilizando varios alias. Su trabajo en solitario se caracteriza por tonos desnudos y minimalistas, y se considera pionero de la electrónica moderna.

En 1993, cofundó el sello discográfico Sähkö Recordings junto a Tommi Grönlund, en el que publicó material bajo su alias Ø.

Su música es notable por su enfoque en texturas diferentes y en la exploración de las fronteras ásperas de las frecuencias sonoras, el minimalismo y el hardcore. Su enfoque era tan distintivo que su trabajo fue catalogado por algunos como "electrónica muy muy oscura, cortante y oxidada", y "no apta para oídos finos".

 

MATILDE CASAZOLA-BOLIVIA

 

La historia de Matilde Casazola Mendoza comienza en Sucre, la capital histórica de Bolivia, en 1943. Su formación fue tan rigurosa como su arte., se especializó en guitarra en la Escuela Nacional de Maestros, una disciplina que le brindó la herramienta perfecta para unir el rigor técnico con la efervescencia lírica de su alma.

La década de 1970 marcó el inicio de su consolidación, y su obra se convirtió rápidamente en un referente. Lo que distingue a Casazola no es solo su dominio de los géneros folklóricos —el kaluyo, la cueca, el yaraví—, sino la manera en que elevó estos ritmos a un plano de poesía trascendental.

Sus canciones no son simples tonadas: son relatos íntimos que exploran la naturaleza, la identidad boliviana. Sus canciones se instalaron en el imaginario colectivo, siendo adoptados por artistas de diversas generaciones que reconocieron en ella a la gran matriarca de la canción de autor boliviana.

Más allá de los escenarios, Matilde Casazola ha dedicado gran parte de su vida a la docencia, compartiendo sus conocimientos de guitarra en centros como la Escuela Nacional de Folklore.

Su producción literaria corre en paralelo a la musical, con más de una decena de poemarios que consolidan su reputación como una de las voces líricas más importantes de Hispanoamérica. Es esta dualidad —el dominio de la palabra escrita y la melodía tejida— lo que la hace única.

El Estado boliviano le rindió uno de los mayores honores: el Premio Nacional de Cultura en 2017, mismo año en que fue reconocida con el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Mayor de San Andrés.

ESPERANZA SPALDING-EEUU

 

Esperanza Spalding es una figura fundamental y contundente en el panorama musical contemporáneo, destacando como contrabajista, vocalista y compositora. Su carrera se caracteriza por el virtuosismo técnico y una constante exploración de géneros que desafía las convenciones del jazz.

En 2011, hizo historia al ganar el premio Grammy a Mejor Artista Revelación, siendo la primera artista de jazz en recibir este reconocimiento. Esto la catapultó al reconocimiento mundial.

Sus álbumes reflejan una fusión de jazz, funk, soul, pop, música clásica y ritmos brasileños. Más allá de su destreza como cantante, es una maestra del contrabajo y el bajo, capaz de improvisar con solvencia mientras compone letras en inglés, portugués y español.

 Ha sido docente de práctica musical en la prestigiosa Universidad de Harvard y en el Berklee College of Music. Ha colaborado con grandes figuras de la música como Stanley Clarke, Pat Metheny y Joe Lovano, lo que subraya su alto nivel técnico y su respeto dentro de la comunidad jazzística.

En resumen, Spalding no solo es una virtuosa del jazz, sino una artista que utiliza su extraordinaria capacidad intuitiva y creativa para expandir los límites del género, haciendo que la música de calidad y el jazz contemporáneo ocupen un lugar central en la atención mundial.