ESBJORN SVERSSON TRIO -SUECIA

 

El Esbjörn Svensson Trio (E.S.T.) fue un grupo de jazz sueco formado en 1993 por el pianista Esbjörn Svensson, el contrabajista Dan Berglund y el baterista Magnus Öström. Este trío se destacó por su estilo innovador que combinaba elementos de jazz tradicional con influencias de música clásica, rock, pop y electrónica.

E.S.T. rompió con las convenciones del jazz al incorporar efectos electrónicos y actuar en escenarios típicos de bandas de rock, atrayendo a un público diverso. Su álbum debut, When Everyone Has Gone, fue lanzado en 1993, y su éxito internacional comenzó con From Gagarin's Point of View en 1999.

La música del trío fue reconocida por su creatividad y su capacidad para trascender los límites del género, dejando un legado duradero en el mundo del jazz contemporáneo. Esbjörn Svensson falleció trágicamente en 2008, pero su influencia sigue viva a través de sus grabaciones y proyectos como el E.S.T. Symphony.

ROEDELIUS-ALEMANIA

 

Hans-Joachim Roedelius es un influyente músico alemán nacido el 26 de octubre de 1934 en Berlín. Es conocido como uno de los pioneros de la música electrónica y experimental, así como del krautrock y la kosmische musik. Su carrera comenzó en 1968, cuando fundó el Zodiak Free Arts Lab, un espacio clave para el desarrollo de la música experimental en Berlín. Posteriormente, cofundó las bandas Kluster, Cluster y Harmonia, que marcaron un antes y un después en la música electrónica.

Roedelius ha lanzado más de 120 álbumes, tanto en solitario como en colaboración con otros artistas, incluyendo a Brian Eno. Su estilo musical ha evolucionado desde sonidos avant-garde hacia composiciones más melódicas y ambientales, destacándose por su capacidad de innovar y adaptarse. A lo largo de su vida, ha sido un testigo y actor clave en la evolución de la música electrónica, dejando un legado imborrable en la historia de este género.

JOHN MCLAUGHLIN TRIO-INGLATERRA

 

John McLaughlin, nacido el 4 de enero de 1942 en Doncaster, Inglaterra, es un guitarrista, compositor y director de orquesta británico. Es ampliamente reconocido como uno de los pioneros del jazz fusión, un género que combina elementos del jazz con rock, música clásica, flamenco y música india. Su carrera despegó en los años 60, cuando colaboró con artistas como Miles Davis en álbumes icónicos como Bitches Brew y In a Silent Way, que definieron el sonido del jazz eléctrico.

En 1971, McLaughlin fundó la Mahavishnu Orchestra, una banda que revolucionó el jazz fusión con su virtuosismo técnico y su estilo innovador. Más tarde, exploró la música india con su grupo Shakti, donde combinó la guitarra acústica con instrumentos tradicionales indios como el violín y la tabla. Su enfoque espiritual también influyó en su música, adoptando el nombre "Mahavishnu" tras convertirse en discípulo del gurú Sri Chinmoy.

A lo largo de su carrera, McLaughlin ha recibido numerosos premios, incluyendo Grammys, y ha sido reconocido como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos por revistas como Rolling Stone.

CAMPO DI MARTE-ITALIA

 

Campo di Marte es conocido por su estilo de rock progresivo, que combina elementos de jazz fusión, rock sinfónico y música clásica. Su único álbum, lanzado en 1973, presenta composiciones complejas y variadas que alternan entre pasajes progresivos, pastorales y rockeros. La banda se mueve en la misma línea que otras bandas italianas de rock progresivo como Premiata Forneria Marconi y Quella Vecchia Locanda.

El legado de Campo di Marte es significativo y ha dejado una huella duradera en la música. Esta banda fue pionera en la fusión de estilos musicales, combinando elementos de rock, jazz, música clásica y folk. Su influencia se puede ver en la evolución del rock progresivo y en la música en general.

El rock progresivo italiano también se destacó por su uso de instrumentos poco comunes en el rock, como flautas, espinetas y clavecines, lo que le dio un carácter distintivo y enriqueció la paleta sonora del género. 

BRIAN ENO-REINO UNIDO

 

El álbum THE SHUTOV ASSEMBLY, que el músico británico Brian Eno publicó en 1992.está dedicado al artista ruso Sergei Shutov.

Fue creado como un conjunto de temas para él, ya que le había mencionado a Eno la dificultad que tenía para conseguir la música en la entonces Rusia comunista.

Para Brian Eno, “Shutov es un pintor ruso de Moscú que una vez me regaló un cuadro.

“Sergei utiliza mucha mi música en su estudio, mientras trabaja.

“Así que pensé en armar una cinta para él con piezas inéditas de los últimos años.

“Guardé una copia de la cinta y cuando comencé a escucharla vi un hilo conductor entre las piezas que realmente no había visto antes.

En una entrevista con la revista Mojo en 1998, Eno explicó que las pistas de The Shutov Assembly fueron originalmente propuestas para piezas orquestales.

Aunque la música puede clasificarse sin duda entre sus otras obras ambientales, la mayoría de las composiciones tienen un cierto aire "oscuro".

Eno dijo que "es la asociación con el peligro lo que antes no me gustaba, y es exactamente eso lo que me gusta ahora".

PEDRO CORTEJOSA-ESPAÑA

 

Pedro Cortejosa, nacido en Cádiz, España, en 1968, es un destacado músico de jazz y música improvisada. Su carrera se caracteriza por una búsqueda constante y una perspectiva única en cada uno de sus trabajos. Es profesor de saxofón en el Conservatorio Manuel de Falla de Cádiz, donde también imparte clases relacionadas con la improvisación y la creatividad.

Cortejosa ha colaborado con numerosos músicos internacionales y ha participado en más de 50 registros discográficos, once de ellos a su nombre. Su música abarca desde la improvisación en forma de canción hasta experimentos con recursos electrónicos y composiciones para grupos más numerosos. Además, ha fundado su propio sello discográfico, "Corleone Música Creativa", en 2014.

Cortejosa ha mencionado en entrevistas que su proceso creativo está profundamente ligado a su búsqueda personal de coherencia y autenticidad. Además, disfruta de colaborar con otros músicos y explorar nuevas formas de expresión artística.

DIEGO EL CIGALA-ESPAÑA

 

Diego Ramón Jiménez Salazar, conocido artísticamente como Diego El Cigala, nació el 27 de diciembre de 1968 en Madrid, España. Desde joven, mostró un talento excepcional para el flamenco, ganando concursos y colaborando con destacados artistas.

En 1998, lanzó su primer álbum en solitario, "Undebel", producido por David Amaya. Este disco contó con la colaboración de grandes músicos como Tomatito y Antón Jiménez, y marcó el inicio de su carrera discográfica.

En 2003, Diego El Cigala alcanzó fama internacional con el álbum "Lágrimas Negras", una colaboración con el pianista cubano Bebo Valdés. Este disco fusionó flamenco y música cubana, y recibió numerosos premios, incluyendo un Grammy Latino.

A lo largo de su carrera, Diego El Cigala ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluyendo varios Grammy Latinos y Premios Ondas. Su capacidad para fusionar diferentes géneros musicales ha sido ampliamente elogiada.

Con una carrera que abarca más de dos décadas, Diego El Cigala sigue siendo una figura influyente en el mundo del flamenco y la música latina. Su capacidad para reinventarse y explorar nuevos géneros asegura que su legado perdurará por muchos años.

GERMAN DIAZ- ESPAÑA

 

Germán Díaz ha tenido una influencia significativa en la música actual, especialmente en la fusión de la música tradicional con el jazz y otros géneros contemporáneos. Su habilidad para innovar con la zanfona, un instrumento tradicional europeo, le ha permitido crear un sonido único y moderno que ha resonado con audiencias de todo el mundo.

Díaz ha colaborado con varios músicos de renombre, como el bajista gallego Baldo Martínez y el guitarrista Antonio Bravo, llevando la zanfona a contextos jazzísticos y experimentales. Su enfoque creativo y su capacidad para integrar elementos de la música tradicional con ritmos y estilos contemporáneos han inspirado a otros músicos a explorar y experimentar con sus propios sonidos.

Además, su trabajo en proyectos como el "Método Cardiofónico", donde utiliza grabaciones de latidos de corazón como base rítmica para sus composiciones, demuestra su capacidad para innovar y desafiar las convenciones musicales. Esta combinación de tradición e innovación ha hecho de Germán Díaz una figura influyente en la música actual, inspirando a una nueva generación de músicos a explorar y reinterpretar la música tradicional.