CLAUDIO BARONI-ARGENTINA

 

Claudio  Baroni, compositor y pianista argentino radicado en Ámsterdam, es una figura fundamental en la música contemporánea y experimental. Su trabajo se distingue por una exploración conceptual profunda que conecta la tecnología con la experiencia humana.

Claudio  Baroni ha construido una trayectoria sólida y sin concesiones dentro de la escena de la música experimental global. Su obra se fundamenta en procesos compositivos graduales, donde el tiempo y la memoria actúan como ejes rectores.

Inspirado por el legado de Robert Ashley, Baroni ha desarrollado una técnica única donde utiliza el análisis digital del habla para identificar alturas tonales dentro de la entonación natural de la voz humana, integrándolas luego con paisajes sonoros acústicos y electrónicos.

Baroni investiga la relación entre la física del sonido, la vibración y la escucha íntima, creando obras que no buscan la representación literal, sino una experiencia sensorial profunda.

Su obra ha sido presentada en escenarios de prestigio mundial, como el Orgelpark en Ámsterdam, y ha sido publicada por sellos de culto como Unsounds y Moving Furniture Records, consolidándolo como una voz esencial en el diálogo entre la música contemporánea y el arte conceptual.

ASTILLERO-ARGENTINO

 

Astillero es, sin duda, una de las agrupaciones más influyentes del tango contemporáneo. Formado en 2005 por el pianista Julián Peralta, el grupo ha logrado lo que parecía una misión imposible: rescatar la esencia del tango de sus raíces porteñas y transformarlo en un lenguaje moderno, visceral y absolutamente actual.

 Con más de dos décadas de trayectoria y cinco discos editados, Astillero ha realizado más de veinte giras mundiales, siendo habitué de las principales salas de concierto en Europa y América.

Su calidad artística ha cruzado fronteras al punto de ser descritos por la BBC como: «La continuación de Piazzolla. Absolutamente virtuosa, loca y fantástica».Más allá del formato tradicional, han incursionado en la música para teatro y han colaborado con orquestas de cuerdas sinfónicas, expandiendo la paleta sonora del género.

Aportan al género una narrativa que refleja el Buenos Aires de hoy: una mezcla de angustia, soledad y pulsión urbana. Su música no solo honra la tradición, sino que la "repara" y la funde con texturas electrónicas y contemporáneas, demostrando que el tango es un organismo vivo que no necesita ser una pieza de museo.

UAKTI-BRASIL

 

El grupo brasileño Uakti no es simplemente una banda, sino un fenómeno de la organología y la creación musical contemporánea. Fundado en Belo Horizonte, su nombre proviene de una leyenda de los indígenas Tukano: un ser mitológico con el cuerpo lleno de agujeros que, al ser atravesado por el viento, emitía sonidos hipnóticos.

Su mayor distinción es la creación de su propio arsenal de instrumentos. Liderados por Marco Antônio Guimarães, diseñaron piezas únicas utilizando materiales no convencionales como tubos de PVC, vidrio, metal y maderas diversas, buscando timbres que la tecnología estándar no podía ofrecer.

Su música ha sido objeto de estudio por su complejidad rítmica. Físicos y matemáticos han analizado sus partituras, las cuales definieron como un sistema "práctico y sorprendente" para visualizar el ritmo y la duración mediante una simbología casi matemática.

Uakti ha demostrado que el sonido puede ser "inventado" antes de ser ejecutado. Han logrado democratizar la creación musical al demostrar que cualquier material cotidiano, bien trabajado, puede convertirse en una extensión del alma humana

AIRTO MOREIRA-BRASIL

 

Airto Moreira (Itaiópolis, 1941) es, indiscutiblemente, uno de los percusionistas más influyentes en la historia del jazz y la música universal. Su carrera despegó en Brasil con el legendario Quarteto Novo, pero fue su llegada a Estados Unidos a finales de los 60 lo que cambió el curso de la música moderna.

Al integrarse a la banda de Miles Davis durante la grabación del histórico álbum Bitches Brew, Airto no solo aportó ritmos brasileños, sino que revolucionó el rol de la percusión, integrando una enorme variedad de instrumentos y texturas avant-garde al jazz-fusion. A lo largo de su trayectoria, colaboró con íconos como Chick Corea (Return to Forever), Weather Report y Santana, y su legado ha sido reconocido con múltiples premios, incluyendo Grammys con el ensamble Planet Drum. Su capacidad para transformar cualquier objeto en una fuente de sonido y su sensibilidad para "colorear" las melodías lo han convertido en un maestro indiscutible de la percusión.

MARLUI MIRANDA-BRASIL

 

Si pensás que la música de Brasil es solo samba y bossa nova, te falta conocer a Marlui Miranda. Nacida en Fortaleza en 1949, esta cantante, guitarrista y antropóloga es una de las mentes más brillantes y disruptivas de la cultura latinoamericana, encargada de conectar el pasado ancestral con el futuro del sonido.

Aunque se formó en el ambiente urbano de Río de Janeiro estudiando arquitectura y guitarra clásica, en los años 70 su brújula artística cambió de forma radical. Fascinada por la riqueza de los pueblos originarios de la Amazonia, decidió internarse en la selva. Convivió con comunidades como los Yanomami, aprendió sus lenguas y tradiciones, para generar un diálogo vivo. Marlui entendió que esos cantos sagrados y rítmicas complejas encajaban perfectamente con el jazz, el minimalismo y la música experimental.

El Debut (1979),  con su disco Olho d'Água se plantó en la escena mostrando una voz profunda, una guitarra impecable y una sensibilidad folclórica única. La Obra Cumbre (1995): En Ihu,  Todos os Sons, adaptó cantos indígenas tradicionales usando arreglos modernos, percusiones potentes y la colaboración de monstruos como Gilberto Gil y Hermeto Pascoal. El resultado es un álbum místico, potente y futurista.

Su talento capturó la atención de grandes de la vanguardia mundial, colaborando activamente con el compositor minimalista estadounidense Philip Glass y el virtuoso Egberto Gismonti.

Hoy, Marlui sigue siendo un puente fundamental,  una activista que usa la música como herramienta política y un recordatorio de que la verdadera vanguardia siempre nace de las raíces más profundas.

EGBERTO GISMONTI-BRASIL

 

Nacido en Carmo, Río de Janeiro (1947), en el seno de una familia de raíces libanesas e italianas, Egberto Gismonti respiró música desde su infancia. Impulsado por un entorno familiar muy musical, comenzó a estudiar piano a los cinco años, dominando más tarde el clarinete, la flauta y la guitarra acústica. Su fascinación por la identidad cultural de su país lo llevó a volcarse de lleno a la música popular, un viaje personal que incluso lo llevó a convivir con los indígenas del Alto Xingu para asimilar las texturas sonoras del Brasil profundo.

Su producción profesional es monumental: ha grabado alrededor de 70 discos, compuesto más de 30 bandas sonoras para cine, teatro y ballet, y su prestigio internacional se consolidó de la mano del selecto sello alemán ECM, editando obras maestras como Dança das cabeças (1976).

El verdadero impacto de Gismonti radica en haber dinamitado las fronteras musicales, ya que logró disolver la división entre la música de concierto (erudita) y la música popular. En su obra conviven armónicamente el folclore brasileño (choro, frevo, samba, lundu), la vanguardia académica europea —tras estudiar en París con la legendaria Nadia Boulanger y Jean Barraqué— y la libertad de improvisación del jazz contemporáneo.

Catalogado por la crítica como uno de los mayores "maestros acústicos" de la historia de la música brasileña, ha colaborado con figuras de la talla de Charlie Haden, Jan Garbarek y Naná Vasconcelos. Su obra ha sido ejecutada en más de 50 países, consolidándolo como un filósofo del sonido que demostró que la música no se divide por géneros, sino por su capacidad de conmover.

WENCHY LAZO-ARGENTINA

 

Wenchi Lazo es una de las figuras más singulares y respetadas de la música experimental, la libre improvisación y el jazz de vanguardia en Argentina. Guitarrista y compositor obstinado, su verdadero aporte a la música no radica en la repetición de estructuras heredadas, sino en su capacidad para explorar el sonido sin red de contención. 

A través de proyectos clave (como Capitanes de la Industria, Mar de Humores o sus colaboraciones con creadores como Emilio Haro y Cecilia López), Lazo ha expandido los límites de la guitarra eléctrica. Su propuesta cruza la sofisticación armónica con el uso del timbre, el ruido, la electrónica y la improvisación no idiomática

Para Lazo, la música no es un mero hecho estético, sino una extensión directa de la vida y del tiempo invertido. Se define a sí mismo como un improvisador que pone el cuerpo entero a disposición del sonido, una postura que exige una honestidad intelectual y una entrega absoluta en el escenario.

Es un artista que concibe la creación colectiva como una conversación honesta y horizontal, donde la escucha atenta del otro es tan importante como la ejecución propia. 

INVISIBLE-ARGENTINA

 

Invisible se formó a finales de 1973 por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz), junto a la base rítmica de Pappo's Blues: Carlos Alberto "Macho" Rufino (bajo) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería). Nació como un trío de severa disciplina de ensayo, en contraste con la furia caótica de Pescado Rabioso. En 1976, para su último álbum, se expandió a cuarteto con la incorporación del joven guitarrista Tomás Gubitsch.

La banda se disolvió a principios de 1977 en la cumbre de su éxito comercial y artístico, tras llenar dos estadios Luna Park.

Introdujeron al rock nacional estructuras complejas con compases de tiempo irregular y una pulcritud técnica inédita. El sonido mutó del rock elíptico y abstracto de sus inicios hacia una fusión de jazz-rock de alta escuela.

Con El jardín de los presentes, la banda conectó el rock con la identidad urbana de Buenos Aires, asimilando la influencia de Astor Piazzolla. La inclusión del bandoneón de Rodolfo Mederos y Juan José Mosalini redefinió el sonido porteño de los setenta.

Frente al quiebre institucional de 1976 en Argentina, la lírica de Spinetta mutó de la abstracción existencial e inspirada en Jung a una melancolía urbana cruda. Canciones como "Las golondrinas de Plaza de Mayo" y "Los libros de la buena memoria" operaron como crónicas veladas del contexto represivo.