MARLUI MIRANDA-BRASIL

 

Si pensás que la música de Brasil es solo samba y bossa nova, te falta conocer a Marlui Miranda. Nacida en Fortaleza en 1949, esta cantante, guitarrista y antropóloga es una de las mentes más brillantes y disruptivas de la cultura latinoamericana, encargada de conectar el pasado ancestral con el futuro del sonido.

Aunque se formó en el ambiente urbano de Río de Janeiro estudiando arquitectura y guitarra clásica, en los años 70 su brújula artística cambió de forma radical. Fascinada por la riqueza de los pueblos originarios de la Amazonia, decidió internarse en la selva. Convivió con comunidades como los Yanomami, aprendió sus lenguas y tradiciones, para generar un diálogo vivo. Marlui entendió que esos cantos sagrados y rítmicas complejas encajaban perfectamente con el jazz, el minimalismo y la música experimental.

El Debut (1979),  con su disco Olho d'Água se plantó en la escena mostrando una voz profunda, una guitarra impecable y una sensibilidad folclórica única. La Obra Cumbre (1995): En Ihu,  Todos os Sons, adaptó cantos indígenas tradicionales usando arreglos modernos, percusiones potentes y la colaboración de monstruos como Gilberto Gil y Hermeto Pascoal. El resultado es un álbum místico, potente y futurista.

Su talento capturó la atención de grandes de la vanguardia mundial, colaborando activamente con el compositor minimalista estadounidense Philip Glass y el virtuoso Egberto Gismonti.

Hoy, Marlui sigue siendo un puente fundamental,  una activista que usa la música como herramienta política y un recordatorio de que la verdadera vanguardia siempre nace de las raíces más profundas.

EGBERTO GISMONTI-BRASIL

 

Nacido en Carmo, Río de Janeiro (1947), en el seno de una familia de raíces libanesas e italianas, Egberto Gismonti respiró música desde su infancia. Impulsado por un entorno familiar muy musical, comenzó a estudiar piano a los cinco años, dominando más tarde el clarinete, la flauta y la guitarra acústica. Su fascinación por la identidad cultural de su país lo llevó a volcarse de lleno a la música popular, un viaje personal que incluso lo llevó a convivir con los indígenas del Alto Xingu para asimilar las texturas sonoras del Brasil profundo.

Su producción profesional es monumental: ha grabado alrededor de 70 discos, compuesto más de 30 bandas sonoras para cine, teatro y ballet, y su prestigio internacional se consolidó de la mano del selecto sello alemán ECM, editando obras maestras como Dança das cabeças (1976).

El verdadero impacto de Gismonti radica en haber dinamitado las fronteras musicales, ya que logró disolver la división entre la música de concierto (erudita) y la música popular. En su obra conviven armónicamente el folclore brasileño (choro, frevo, samba, lundu), la vanguardia académica europea —tras estudiar en París con la legendaria Nadia Boulanger y Jean Barraqué— y la libertad de improvisación del jazz contemporáneo.

Catalogado por la crítica como uno de los mayores "maestros acústicos" de la historia de la música brasileña, ha colaborado con figuras de la talla de Charlie Haden, Jan Garbarek y Naná Vasconcelos. Su obra ha sido ejecutada en más de 50 países, consolidándolo como un filósofo del sonido que demostró que la música no se divide por géneros, sino por su capacidad de conmover.

WENCHY LAZO-ARGENTINA

 

Wenchi Lazo es una de las figuras más singulares y respetadas de la música experimental, la libre improvisación y el jazz de vanguardia en Argentina. Guitarrista y compositor obstinado, su verdadero aporte a la música no radica en la repetición de estructuras heredadas, sino en su capacidad para explorar el sonido sin red de contención. 

A través de proyectos clave (como Capitanes de la Industria, Mar de Humores o sus colaboraciones con creadores como Emilio Haro y Cecilia López), Lazo ha expandido los límites de la guitarra eléctrica. Su propuesta cruza la sofisticación armónica con el uso del timbre, el ruido, la electrónica y la improvisación no idiomática

Para Lazo, la música no es un mero hecho estético, sino una extensión directa de la vida y del tiempo invertido. Se define a sí mismo como un improvisador que pone el cuerpo entero a disposición del sonido, una postura que exige una honestidad intelectual y una entrega absoluta en el escenario.

Es un artista que concibe la creación colectiva como una conversación honesta y horizontal, donde la escucha atenta del otro es tan importante como la ejecución propia. 

INVISIBLE-ARGENTINA

 

Invisible se formó a finales de 1973 por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz), junto a la base rítmica de Pappo's Blues: Carlos Alberto "Macho" Rufino (bajo) y Héctor "Pomo" Lorenzo (batería). Nació como un trío de severa disciplina de ensayo, en contraste con la furia caótica de Pescado Rabioso. En 1976, para su último álbum, se expandió a cuarteto con la incorporación del joven guitarrista Tomás Gubitsch.

La banda se disolvió a principios de 1977 en la cumbre de su éxito comercial y artístico, tras llenar dos estadios Luna Park.

Introdujeron al rock nacional estructuras complejas con compases de tiempo irregular y una pulcritud técnica inédita. El sonido mutó del rock elíptico y abstracto de sus inicios hacia una fusión de jazz-rock de alta escuela.

Con El jardín de los presentes, la banda conectó el rock con la identidad urbana de Buenos Aires, asimilando la influencia de Astor Piazzolla. La inclusión del bandoneón de Rodolfo Mederos y Juan José Mosalini redefinió el sonido porteño de los setenta.

Frente al quiebre institucional de 1976 en Argentina, la lírica de Spinetta mutó de la abstracción existencial e inspirada en Jung a una melancolía urbana cruda. Canciones como "Las golondrinas de Plaza de Mayo" y "Los libros de la buena memoria" operaron como crónicas veladas del contexto represivo.

DINO SALUZZI-ARGENTINA

 

Nacido en las tierras de Campo Santo, Salta, Timoteo «Dino» Saluzzi se ha consolidado como uno de los máximos exponentes de la música contemporánea argentina, llevando al bandoneón mucho más allá de las fronteras tradicionales del tango. EL  período inicial de su carrera  no solo pulió su técnica virtuosísima, sino que también despertó su inquietud por desarrollar un lenguaje musical propio que fusionara la herencia popular con la experimentación.

La verdadera maduración de su estética comenzó a plasmarse a fines de la década de 1970 y principios de los 80, cuando Saluzzi decidió alejarse de las estructuras comerciales para dar forma a su concepto de «música de cámara folklórica». Un hito fundamental en este giro cronológico fue su incorporación al sello discográfico alemán ECM Records en 1982.

A lo largo de las décadas de 1990 y 2000, la trayectoria de Saluzzi se caracterizó por una profunda y prolífica apertura hacia la colaboración transcultural y los formatos de cámara. Lejos de encasillarse, el maestro salteño grabó y giró junto a celebridades del jazz internacional

En su madurez artística reciente, Dino Saluzzi ha canalizado su universo creativo a través del Dino Saluzzi Family Project, un ensamble que reúne a sus hermanos Félix y Celso, y a su hijo José María. Este proyecto representa un tierno y profundo retorno a las fuentes, cerrando un círculo vital donde la sofisticación técnica se pone al servicio de la memoria familiar y el paisaje de su infancia.

Con más de ocho décadas de vida, su carrera se erige hoy como el testimonio de un filósofo del sonido que logró transformar un instrumento de arrabal en una herramienta de exploración universal y espiritual.

ACA SECA-ARGENTINA

 

Para entender qué es Aca Seca Trío, hay que remontarse a fines de los años 90 en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, en La Plata. Allí, Juan Quintero (voz y guitarra), Andrés Beeuwsaert (piano, teclados y voz) y Mariano Cantero (percusión y voz) conformaron un trío que no se parece a nada, aunque suene a todo lo que nos identifica.

El grupo irrumpió formalmente con su disco homónimo en 2003, dejando claro que el folclore ya no iba a ser leído de la misma manera. A lo largo de su carrera —con hitos como Avenido (2006) y Ventanas (2009)—, el trío consolidó una identidad basada en el virtuosismo vocal y una instrumentación que bebe tanto del jazz como de la música académica.

La verdadera maestría  del grupo reside en cómo han sabido reinterpretar a los grandes compositores —como el "Cuchi" Leguizamón o Hugo Fattoruso— pasándolos por un tamiz de frescura absoluta.

El aporte de Aca Seca a la música latinoamericana es, sencillamente, el de haber elevado la vara. Lograron que el folclore argentino se sacudiera el polvo del conservadurismo sin perder la esencia del ritmo (la zamba, el huayno, el festejo). Sus arreglos a tres voces son hoy materia de estudio en conservatorios, integraron la improvisación del jazz a la estructura de la canción rioplatense, y le dieron una nueva vida a obras clásicas aportando  composiciones propias que ya son consideradas estándares modernos.

CHANY SUAREZ-ARGENTINA

 

Nacida en Capitán Bermúdez, Santa Fe, Chany Suárez emergió en la escena nacional en la década del 70, convirtiéndose rápidamente en una figura central del Nuevo Cancionero. Su camino no fue sencillo: debido a su compromiso político y social, debió enfrentar la censura y el exilio en España durante la última dictadura militar. Este desarraigo, lejos de quebrar su espíritu, profundizó su búsqueda artística, permitiéndole regresar al país con una visión universal de la música latinoamericana.

Lo que distingue a Chany de otras intérpretes es su ductilidad vocal. Posee un registro amplio y un control del aire que le permite abordar desde la sutil zamba salteña hasta complejos arreglos cercanos al jazz.

Tiene una capacidad única para "decir" las letras, respetando el silencio y la acentuación poética. Su timbre es cálido y cristalino, pero con una profundidad emocional que evita el virtuosismo vacío.

 Se encargó de difundir la obra de poetas y compositores fundamentales como Juan Falú, Pepe Núñez, Teresa Parodi y el "Cuchi" Leguizamón, dotando a sus canciones de un aire de cámara, pero sin perder la raíz popular.

En la música general, su apertura la llevó a colaborar con artistas de diversos géneros, demostrando que la música de raíz folclórica puede dialogar perfectamente con elementos contemporáneos y arreglos instrumentales sofisticados.

MANU KATCHE-FRANCIA

 

Manu Katché (nacido el 27 de octubre de 1958 en Saint-Maur-des-Fossés, Francia) es un baterista, percusionista y compositor de renombre mundial, reconocido por haber redefinido el papel de la batería en la música pop, rock y jazz contemporánea. Su estilo se caracteriza por una amalgama distintiva de elegancia técnica y sensibilidad melódica.

La carrera de Katché se divide en dos vertientes fundamentales que se alimentan mutuamente: Saltó a la fama internacional a mediados de los años 80. Su participación en el álbum de Peter Gabriel y de Sting consolidó su reputación.

Como líder solista, Katché ha explorado profundamente el jazz de cámara y el post-bop. Desde su debut en el sello ECM con *Neighbourhood* (2005), ha perfeccionado un sonido minimalista donde el espacio y el silencio son tan importantes como las notas.

En una era (los 80) dominada por cajas de ritmos y sonidos procesados, Katché aportó una calidez acústica y un "groove" elástico que devolvió la vitalidad orgánica a las producciones de gran escala.

Es pionero en el uso extensivo de platillos “splash” y una afinación de tambores más alta de lo habitual. Esto le permite "cantar" con la batería, creando contra-melodías que dialogan con la voz principal en lugar de simplemente marcar el tiempo.