FUNDAMENTO

Según el economista “hereje” chileno Manfred MaxNeef, las necesidades humanas son las mismas en todas las épocas y culturas. Lo que sí cambia de una época a otra (y de una cultura a otra) es la forma de satisfacerlas. Las necesidades identificadas son nueve: subsistencia, protección, entendimiento, participación, ocio, creación, libertad e identidad. La música tiene relación con varias de esas necesidades humanas.

Con la subsistencia, al relacionarse con el descanso y la salud mental.
Con la necesidad de afecto, al sustentar espacios de encuentro, permitir en ellos la expresión de emociones, pilares de la amistad. Con la de entendimiento, al promover la curiosidad, la disciplina y los ámbitos de interacción formativa. Con la del ocio, al justificar el uso del tiempo libre y la realización de espectáculos o acompañar nuestra privacidad.

Con la de Creación, para los que descubren y desarrollan habilidades en el canto, algún instrumento o la danza.
Para con la de libertad, para los que llegan a ser rebeldes y audaces. Y, por último, con la identidad: porque anima los sentimientos de pertenencia y autoestima (en este orden) porque constituye un símbolo, un lenguaje o un valor para determinados grupos, generando ámbito de contención (muy importante en los jóvenes), porque favorece el conocimiento propio y del otro; y porque cumple un rol constituyente en la memoria histórica de los pueblos.

Teniendo en cuenta estos enunciados, LUZ PARA MUNDOS REMOTOS pretende contribuir al desarrollo de la capacidad de audición atenta de la música del mundo, en sus eventuales y oportunos oyentes.

Río Colorado, Río Negro, mayo 2006.

THELONIOUS MONK-EEUU

 


Para que se entienda de entrada: a lo largo de su vida, Thelonious Monk compuso unos setenta temas que tocó una y otra vez en los más diversos contextos: solo, en trío, en cuarteto, en sexteto, con big band

Cada uno de ellos, así como cada una de las interpretaciones grabadas de esos temas, fueron objeto de análisis del escritor francés Yves Buin, quien, en un libro publicado en 1988, trazó una curiosa biografía de todo lo que Monk compuso. 

Esas piezas, en virtud de las muchas interpretaciones realizadas por otros músicos, hoy son standards del repertorio jazzístico; vale decir, temas que todo el mundo conoce y que todos tocan para medirse con ellos y con otras versiones precedentes.  

Thelonious, un hombretón de casi un metro noventa, generalmente vestido con elegancia y munido de una colección de curiosos sombreros, que abandonaba el piano en el medio de una actuación y, luego de bailotear un rato alrededor del escenario, dejaba solos a sus músicos.

Esta es entonces una de las claves para que, con independencia de sus méritos, se siga hablando de Thelonious Monk: a fuerza de talento y de extravagancias, en ausencia de verdaderas explicaciones, todos lo que lo conocieron tienen una anécdota para contar sobre él.

fuente: https://www.clarin.com/musica/thelonious-monk-jazz-mito_0_H1XdRgv2vXl.html (parte)


RENATA ROSA-BRASIL

 

Renata Emilia Braga da Rosa, más conocida como Renata Rosa es una actriz, cantora, compositora, poetisa e investigadora brasilera. Oriunda de San Pablo, nacida en 1973.

Renata Rosa estudió Canto en la Universidad Libre de Música Tom Jobim entre 1995 y 2000. Recibió el Choc del Año 2004, mayor premio dado a la Música del Mundo, por la revista Le Monde de la Musique por su primer CD Zunido da Mata. Y el Premio de la Música Brasilera 2009 como Mejor Cantora Regional por su segundo CD, Manto dos Sonhos.Desde 2003, 

Renata Rosa se presentó en más de 180 oportunidades en Europa, en Festivales de Música del Mundo e importantes eventos de Jazz. Por ejemplo: Museo del Louvre, la Sala de la Filarmonica de Bruselas, el Teatro de la Villa en Paris, y los Festivales de Jazz en Nancy, Pohoda en Eslováquia, ySziget en Hungría.  



PAULA SHOCRON-ARGENTINA

 

La pianista y compositora Paula Shocron nació en Rosario en 1980. Su primer disco fue La voz que te lleva, un solo-piano que incluye reversiones de Monk. Luego vinieron Percepciones (en cuarteto junto Marcelo Gutfraind) y Urbes.

Paula Schocron se formó en Rosario como pianista clásica desde muy pequeña. Continuó como compositora en la carrera de la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario. Su actividad musical se centró siempre alrededor de la improvisación, pasando por el jazz y extendiéndose hacia otras disciplinas artísticas como la danza. Hoy tiene editados más de 15 discos.

"Paula ha logrado una excelente síntesis de sus influencias jazzísticas y extrajazzísticas", escribía el pianista Ernesto Jodos, uno de sus maestros. Desde entonces, sus horizontes se ampliaron tanto numérica como poéticamente.


LEA FREIRE-BRASIL

 

Lea Freire posee un talento dotado de instrumentista, y una compositora delicada y  precisa. Basta con decir que es fundadora y directora general del sello Maritaca, responsable de un elixir de grandes obras de la música instrumental brasileña. 

El instrumento de Lea Freire es de la familia de las flautas transversas, cuya suave sonoridad y musicalidad trasciende. Sus frases de improvisación buscan matices de color, acentuaciones de muy buen gusto y finura. Tiene un extenso trabajo: individual, en dúo, y con el grupo Vento e Madeira. Y por no mencionar las entradas en álbumes de otros artistas.

Léa Freire es una figura singular de la música brasileña que ya se estableció en la historia de la música  por su inmensa contribución como compositora en diversas producciones.


THE BEATLES-INGLATERRA

 

"Los Beatles son producto de su tiempo, pero también del pasado y del futuro. Más allá de haber sido un prodigio musical, su gran mérito es haber convertido el rock and roll en algo universal. Si bien su raíz está basada en el rock and roll que había nacido unos años antes en los Estados Unidos, ellos lo tomaron, lo mezclaron con todo su propio bagaje y le dieron una nueva dimensión. Y lo que los Beatles traían era mucho: jazz, music hall, baladas, música de películas, country, doo woop y por supuesto las diferentes variantes del rock and roll. A todo eso hay que agregarle lo que fueron descubriendo, incorporando y creando a lo largo de sus breves, pero brillantes e intensos ocho 8 años de carrera.

Música clásica, chansón francesa, música hindú, ska, música electrónica, y mucho más. Son varios los estilos que usaron y algunos a los que le dieron o ayudaron a dar el puntapié inicial como el heavy metal, el rock sinfónico o la psicodelia.

Gracias a su apertura mental, a su talento compositivo y a sus grandes interpretaciones es que han permanecido en el tiempo y se han convertido en la música clásica de nuestros días".

fuente: Fernando Blanco, en https://www.losandes.com.ar/los-beatles-la-cronica-del-fin/



STEVE REICH-EEUU

 

Steve Reich nació en Nueva York en 1936. Inició sus estudios de música a los cinco años de edad gracias a que su padre, el abogado Leonard Reich, le pagó lecciones de piano. Sin embargo, para Leonard el mundo de la música clásica se reducía a “lo que escucha la clase media” (algunas piezas de Mozart, la Quinta de Beethoven, la Octava de Schubert, un par de arias de Wagner), por lo que el futuro compositor no tuvo contacto con las obras anteriores a 1750 ni posteriores a 1900 sino hasta los 14 años, cuando algunas bienintencionadas amistades lo acercaron a la música barroca, las vanguardias de inicios del siglo XX y el jazz.

 

Fue la libertad improvisatoria de este último género musical lo que más fascinó al joven Steve Reich (en sus propias palabras: “Me impresionaba la inventiva de un John Coltrane, que partía de elementos muy básicos pero era capaz de desarrollar piezas de 10 o 20 minutos sin repetirse”), así que decidió que quería ser baterista de un grupo de jazz. Comenzó a estudiar percusiones y a tocar en clubes de jazz al tiempo que ampliaba su cultura musical escuchando discos de Miles Davis, John Coltrane, Thelonius Monk y Charlie Parker, además de música medieval, barroca, y a los principales compositores contemporáneos de su momento: Béla Bartók, Igor Stravinsky, Arnold Schönberg.

https://musicaenmexico.com.mx/musicomania/steve-reich-estructurar-la-repeticion/


MIKE OLDFIELD-INGLATERRA

 

Corría 1971. En Inglaterra, había un muchacho que venía de formar parte de un dúo folk con su hermana Sally, y de un grupo de rock. Su imaginación era un hervidero de ideas musicales, con solo 17 años. El chabón tenía un don natural para dominar cualquier instrumento, el que Uds. se imaginen. En su cabeza, andaba dando vueltas una sinfonía, con diferentes movimientos, con muchos instrumentos, y todos tocados por él mismo. 

Tubular Bells fue la primera edición del sello Virgin Records, que llegó a vender 16 millones de copias en todo el mundo. 

Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Una obra impensable de ser concebida en el contexto actual, más ligado al consumo de canciones. La obra musical de Mike Oldfield comenzó en 1973 y llega hasta nuestros días, la creación no concluye y volveremos a  Mike.


QUINTEPLUS-ARGENTINA

 

La historia de Quinteplus tiene sus comienzos en el año 1969, Su música está más emparentada con el jazz que con el rock, posiblemente por el origen de sus integrantes. Sus talentosos integrantes reconocían y practicaban un amplio abanico de influencias musicales que incluían el folclore.

 Quinteplus, mediante su tecladista Siantiago Giacobbe, fueron pioneros en la incorporación de sonidos eléctricos al jazz en la Argentina. La banda editó oficialmente dos discos, uno en 1971, “Quinteplus”, y otro en vivo, lo que estamos escuchando hoy.

 Quinteplus fue una suerte de supergrupo integrado por los jazzeros criollos. Gustavo Bergalli en la trompeta, Jorge Sanders en el saxo, Santiago Giacobbe en los teclados, Jorge Gonzalez en el bajo y la batería de Carlos Pocho Lapouble. Fueron una de las bandas más sólidas del jazz argentino de los setenta. Con esta formación grabaron su primer disco de 1971. 

Quinteplus surgió en un momento en el que en las venas de los músicos argentinos parecieron mezclarse sanamente con alguna inyección de rock. Se dejaron llevar por la transformación arrolladora del jazz que por esos días soplaba gente como el Gato Barbieri.