BEATRIZ FERREYRA-ARGENTINA

 

Beatriz Ferreyra, nacida en 1937, es una compositora argentina pionera cuya obra ha moldeado significativamente la música electroacústica y concreta. A lo largo de una carrera que abarca más de sesenta años, Ferreyra ha centrado su trabajo en la manipulación del sonido grabado, distanciándose deliberadamente de los instrumentos tradicionales

para explorar nuevas dimensiones sonoras.

Su contribución más destacada reside en su adopción de la música concreta, un género que utiliza sonidos extraídos de la vida real (como ruidos cotidianos o grabaciones de la naturaleza) como elementos fundamentales de sus composiciones. En lugar de centrarse en la melodía o la armonía convencionales, Ferreyra investiga profundamente las texturas y timbres de estos sonidos. Sus piezas son a menudo acusmáticas, invitando al oyente a una escucha pura, donde la atención se fija en el sonido mismo sin la necesidad de identificar su fuente original. A través de técnicas como la superposición, la reversión y la transformación digital, Ferreyra es una verdadera exploradora sonora, creando paisajes auditivos complejos, a menudo abstractos, que revelan las propiedades ocultas del sonido.

MIDORI TAKADA-JAPON

 

Midori Takada es una compositora y percusionista japonesa cuya obra ha ganado un reconocimiento global, especialmente en los últimos años, gracias al redescubrimiento de su influyente álbum de 1983, Through the Looking Glass. Nacida en Japón, Takada ha desarrollado una carrera musical que se caracteriza por una profunda exploración del minimalismo y la resonancia, utilizando la percusión como un medio para crear paisajes sonoros meditativos y envolventes.

Takada no es una percusionista tradicional. Su enfoque se centra en el timbre y el espacio, tratando cada instrumento (marimba, gong, cuencos tibetanos, etc.) no solo como una herramienta rítmica, sino como una fuente de texturas y atmósferas.

En resumen, la obra de Midori Takada, una figura clave de la música ambiental y minimalista japonesa, es una fascinante travesía por el poder de la percusión para generar serenidad y profundidad. Más que simples ritmos, su música es una meditación en sonido, invitando a los oyentes a una experiencia auditiva única y reflexiva.

ELSE MARIE PADE- DINAMARCA

 

Else Marie Pade (1924-2016) fue una compositora danesa reconocida como una de las primeras, si no la primera, en incursionar en la música electrónica en su país. Su carrera se caracterizó por la innovación y la exploración de los sonidos, lo que la convirtió en una figura solitaria en la escena musical danesa de su época.

Su interés por la música se desarrolló desde la infancia, cuando, postrada en cama debido a una enfermedad, escuchaba los sonidos del exterior y creaba lo que ella llamaba "imágenes auditivas". Más tarde, se formó como pianista en el Kongelige Danske Musikkonservatorium (Real Academia Danesa de Música) de Copenhague.

En los años 50, comenzó a trabajar como productora para la radio danesa, donde tuvo la oportunidad de experimentar con la cinta magnética y los osciladores. Se convirtió en la primera compositora danesa en crear música electrónica y concreta

Su música se distingue por el uso de sonidos grabados de la vida real ("música concreta"), que transformaba y organizaba en complejas composiciones. Su legado ha sido revalorizado en las últimas décadas, con reediciones de su trabajo que han permitido a una nueva generación descubrir su visión musical pionera.

SULTAN KHAN-INDIA

 

Ustad Sultan Khan (1940-2011) fue un destacado músico indio, reconocido por su maestría con el sarangi, un instrumento de cuerda frotada que a menudo se describe como el violín indio. Fue un virtuoso intérprete de música clásica indostaní y vocalista, perteneciente a la Sikar Gharana.

Su estilo musical se caracterizó por un profundo control melódico y una expresividad emocional, influenciado por el "gayaki" o estilo vocal de Ustad Amir Khan. Sultan Khan era conocido por sus interpretaciones de ragas, y su habilidad para hacer que el sarangi "cantara" le valió un gran respeto.

A lo largo de su carrera, colaboró con músicos de diversas tradiciones, lo que le permitió explorar la fusión musical.

Recibió varios reconocimientos, incluyendo el Premio Padma Bhushan, la tercera condecoración civil más alta de la India, en 2010 Y  dejó un legado significativo en la música clásica india.

SHIVKUMAR SHARMA-INDIA

 

Pandit Shivkumar Sharma (1938-2022) fue un músico indio de talla mundial, aclamado por su maestría con el santoor, un instrumento de cuerda percutida que él mismo elevó del ámbito folclórico al pináculo de la música clásica indostaní. 

Nacido en Jammu, India, Shivkumar Sharma se inició en la música a una edad temprana bajo la guía de su padre, un vocalista de renombre. Sin embargo, su destino cambió a los 13 años, cuando se le encomendó la tarea de aprender y adaptar el santoor. Este instrumento, que se tocaba principalmente en ceremonias sufíes de Cachemira, carecía de la capacidad para ejecutar los complejos ragas de la música clásica. 

Sharma dedicó años a modificar su técnica, utilizando mazas de madera para producir notas con fluidez y sutileza, logrando emular las inflexiones vocales que son la esencia de la música clásica india.

Su talento y esfuerzo no tardaron en dar frutos. A partir de los años 60, sus conciertos y grabaciones lo catapultaron a la fama, ganando el respeto de la crítica y del público. Su carrera alcanzó una nueva cumbre con la formación del dúo Shiv-Hari junto al flautista Hariprasad Chaurasia.

HARIPRASAD CHAURASIA-INDIA

 

Cuando pensamos en música clásica de la India, Hariprasad Chaurasia es un nombre que resuena con fuerza. Nacido en 1938 en Allahabad, este genio de la flauta bansuri (la flauta de bambú india) desafió el destino que su padre, un luchador, había imaginado para él. A escondidas, Panditji (como se le conoce respetuosamente) se sumergió en la música, aprendiendo canto y, finalmente, dominando el bansuri.

Su estilo es una fusión mágica: la pureza de los ragas (estructuras melódicas indias) combinada con una expresividad e improvisación que cautivan. Chaurasia no solo es un técnico brillante, sino que su flauta "habla", evocando emociones y paisajes.

A lo largo de su carrera, Hariprasad ha trascendido fronteras. Desde sus inicios en All India Radio hasta colaboraciones revolucionarias con músicos occidentales como George Harrison, John McLaughlin, Jan Garbarek y Ry Cooder, él fue pionero en tender puentes entre la tradición india y otros géneros.

En resumen, Hariprasad Chaurasia es mucho más que un flautista; es un embajador cultural y un innovador que ha elevado el bansuri a un estatus mundial. Escucharlo es sumergirse en la belleza infinita de su música. ¡Una verdadera leyenda viva!

BALUJI SHRIVASTAV-INDIA

 

Baluji Shrivastav  es reconocido como uno de los instrumentistas más destacados que la India ha producido, a pesar de haber quedado ciego a los ocho meses de edad. Su trayectoria es un testimonio de resiliencia y maestría musical, consolidándose como un compositor y sitarista de renombre mundial.

 Es un virtuoso de múltiples instrumentos indios clásicos, incluyendo el sitar, surbahar, dilruba, pakhavaj y tabla. Su profundo arraigo en la tradición clásica hindú se combina con una audaz exploración de otros géneros, fusionando la música india con elementos de jazz, pop y música occidental.

Nacido en Uttar Pradesh, India, Baluji Shrivastav inició su formación musical en la Escuela para Ciegos de Gwalior, donde descubrió el sitar a la edad de ocho años.

Un hito fundamental en su trayectoria es la fundación de la “Baluji Music Foundation” en 2008, una organización que promueve la participación de personas con discapacidad en la música. En 2012, fundó la “Inner Vision Orchestra”, la única orquesta profesional de músicos ciegos del mundo, que ha actuado en escenarios importantes, incluyendo la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Londres 2012 junto a Coldplay.

Su incansable labor en favor de la inclusión y la diversidad en la música fue reconocida con la Orden del Imperio Británico (OBE) en 2016, por sus servicios a la música y como fundador de la Inner Vision Orchestra.

PABLO ZIEGLER-ARGENTINA

 

Pablo Ziegler es un renombrado pianista, compositor y arreglador argentino, una figura clave en la evolución del tango contemporáneo. Reconocido internacionalmente por su innovadora fusión del tango tradicional con elementos de jazz y música clásica, Ziegler ha sido galardonado con tres premios Grammy, consolidando su lugar como uno de los músicos más influyentes de su generación.

Nacido en Buenos Aires, Ziegler recibió una sólida formación musical clásica, lo que sentaría las bases para su singular estilo. Su carrera dio un giro trascendental a principios de la década de 1980, cuando se unió al Quinteto Nuevo Tango de Astor Piazzolla. Durante esta etapa, Ziegler no solo fue el pianista de Piazzolla, sino que también contribuyó con arreglos que enriquecieron el sonido del quinteto, absorbiendo y desarrollando el lenguaje del tango de vanguardia directamente de su creador. Esta experiencia fue fundamental para forjar su propia identidad musical.

El legado de Pablo Ziegler es doble: por un lado, es un continuador y enriquecedor del espíritu innovador de Astor Piazzolla; por otro, ha forjado una voz completamente original. Ha llevado el tango a nuevas audiencias alrededor del mundo, demostrando su capacidad para evolucionar y dialogar con otros estilos musicales.

Su obra no solo honra la tradición tanguera, sino que la reinventa y la proyecta hacia el futuro, influyendo a una nueva generación de músicos a explorar sin límites las fusiones musicales.