LILIAN SABA-ARGENTINA

 

Lilián Saba es una de las voces más sofisticadas y esenciales del piano argentino contemporáneo. Su música no se limita a interpretar el folklore; lo reconstruye desde una formación académica rigurosa y una sensibilidad popular profunda.

Su estilo se caracteriza por una "vanguardia silenciosa": no busca el choque rupturista, sino la evolución orgánica de las formas tradicionales (zamba, chacarera, chamamé) hacia un lenguaje de cámara moderno.

Bajo la influencia de maestros como Manolo Juárez, Saba trata al piano no solo como instrumento solista, sino como un ensamble armónico complejo. Su toque combina la precisión del conservatorio con el "mugre" y el swing necesario para que el folklore respire y sea auténtico.

Juega con la birritmia, cambia tonalidades y entra y sale de las estructuras rítmicas con una fluidez que recuerda al jazz, pero manteniendo siempre el "olor a tierra" y la conexión con el paisaje argentino.

Su impacto trasciende el escenario. A través de proyectos como Cajita de Música Argentina, ha codificado el lenguaje de la música de raíz para las nuevas generaciones, estableciendo un puente entre la tradición oral y la escritura técnica.

DAPHNE ORAM-INGLATERRA

 

Daphne Oram (1925-2003) fue una figura fundamental y visionaria en la génesis de la música electrónica. Su enfoque no solo era técnico, sino profundamente filosófico, entendiendo el sonido como una entidad orgánica y maleable.

A finales de los años 40, Oram trabajaba como ingeniera de sonido en la BBC. Durante años, presionó a la directiva para crear un estudio dedicado exclusivamente a la experimentación sonora, inspirada por los avances de la musique concrète en Francia.

En 1958, cofundó el BBC Radiophonic Workshop. Este estudio se volvió legendario por crear efectos sonoros y música para programas icónicos . Fue la primera mujer en dirigir un estudio de este tipo, estableciendo las bases de cómo se produciría el sonido para medios de comunicación en las décadas siguientes.

Oram no solo construyó máquinas; teorizó sobre la relación entre el ser humano y la tecnología en su libro An Individual Note of Music, Sound and Electronics (1971).

Fue la primera persona en diseñar y construir un instrumento electrónico personal y en gestionar su propio estudio independiente (Oramics Studios).

Su trabajo influyó en el desarrollo de los sintetizadores y en la música ambiental y experimental contemporánea.

SINIKKA LANGELAND-NORUEGA

 

En el corazón de Finnskogen, el místico "Bosque de los Finlandeses" en la frontera entre Noruega y Finlandia, la música no es solo un arte, sino una extensión de la tierra misma. Allí habita Sinikka Langeland, una artista cuya biografía y obra son inseparables del paisaje que la rodea. Nacida en 1961 de raíces mixtas noruego-finlandesas, Sinikka encarna el espíritu de los inmigrantes del siglo XVII que llevaron consigo sus creencias chamánicas a los bosques boreales. Su identidad personal es un puente entre el folklore ancestral y la sensibilidad contemporánea, marcada por una vida dedicada a rescatar la tradición oral de la región de Solør.

El eje de su universo artístico es el kantele, el arpa de mesa finlandesa. Bajo sus dedos, este instrumento de cuerdas cristalinas deja de ser una pieza de museo para convertirse en una orquesta de resonancias infinitas. Sinikka no solo interpreta; ella narra a través de las cuerdas, uniendo su voz —una herramienta capaz de alcanzar los matices del runesang (canto rúnico)— con las estructuras de la música antigua. Sin embargo, su genialidad reside en no haberse quedado anclada en el pasado. Al unirse al prestigioso sello ECM Records, logró una fusión magistral con el jazz nórdico, permitiendo que la improvisación moderna respire dentro de las baladas medievales y los himnos religiosos populares.

Escuchar a Sinikka Langeland es asistir a un ritual donde la música borra las fronteras entre lo humano y lo divino, lo antiguo y lo moderno, recordándonos que el arte más profundo es aquel que sabe escuchar el pulso de sus raíces.

NILS PETER MOLVAER-NORUEGA

 

Nils Petter Molvær (nacido en 1960 en Sula, Noruega) no es solo un trompetista; es un arquitecto sonoro. Su carrera despegó en los años 80 y 90, inicialmente con la legendaria banda de jazz-rock Masqualero. Sin embargo, su verdadero golpe de timón llegó en 1997 con el álbum "Khmer", lanzado bajo el prestigioso sello ECM.

"Khmer" es su manifiesto. Fusionó el jazz nórdico contemplativo con electrónica, ambient, drum and bass y música dance. Esta mezcla innovadora lo catapultó a la vanguardia de lo que se podría llamar el "Future Jazz" o "Nu-Jazz".

Su música es atmosférica, cinematográfica y a menudo descrita como una banda sonora para paisajes helados y urbanos a la vez.

Es famoso por su uso magistral de la electrónica en vivo. No se limita a tocar la trompeta; la procesa con loops, delays y reverbs, creando texturas etéreas que hacen que su instrumento suene como un fantasma digital o una orquesta completa.

Ha trabajado con artistas que van desde el guitarrista Bill Frisell hasta el productor de techno Moritz von Oswald (de Basic Channel), demostrando que sus fronteras musicales son inexistentes.

Creció en una isla pequeña de Noruega. Es tentador pensar que esa conexión con la naturaleza agreste y el silencio se filtró directamente en el sonido ambient y expansivo de su música.

En resumen: Nils Petter Molvær es el James Bond de la trompeta: elegante, misterioso y siempre equipado con la tecnología más avanzada para crear su próximo golpe sonoro. ¡Un verdadero placer para los oídos que buscan algo más que "solo jazz"!

MIKA VAINIO-FINLANDIA

 

Mika Vainio (1963–2017) fue un artista finlandés fundamental en la música electrónica experimental y la vanguardia minimalista, explorando corrientes como el glitch, el noise, el drone y el techno minimalista.

Su proyecto más reconocido fue el dúo de música electrónica experimental Pan Sonic (originalmente llamado Panasonic), formado en 1993 junto a Ilpo Väisänen (y Sami Salo hasta 1996). Lanzaron más de una docena de álbumes de estudio.

Además de su trabajo en Pan Sonic, Vainio desarrolló una vasta colección de material en solitario bajo su propio nombre y utilizando varios alias. Su trabajo en solitario se caracteriza por tonos desnudos y minimalistas, y se considera pionero de la electrónica moderna.

En 1993, cofundó el sello discográfico Sähkö Recordings junto a Tommi Grönlund, en el que publicó material bajo su alias Ø.

Su música es notable por su enfoque en texturas diferentes y en la exploración de las fronteras ásperas de las frecuencias sonoras, el minimalismo y el hardcore. Su enfoque era tan distintivo que su trabajo fue catalogado por algunos como "electrónica muy muy oscura, cortante y oxidada", y "no apta para oídos finos".

 

MATILDE CASAZOLA-BOLIVIA

 

La historia de Matilde Casazola Mendoza comienza en Sucre, la capital histórica de Bolivia, en 1943. Su formación fue tan rigurosa como su arte., se especializó en guitarra en la Escuela Nacional de Maestros, una disciplina que le brindó la herramienta perfecta para unir el rigor técnico con la efervescencia lírica de su alma.

La década de 1970 marcó el inicio de su consolidación, y su obra se convirtió rápidamente en un referente. Lo que distingue a Casazola no es solo su dominio de los géneros folklóricos —el kaluyo, la cueca, el yaraví—, sino la manera en que elevó estos ritmos a un plano de poesía trascendental.

Sus canciones no son simples tonadas: son relatos íntimos que exploran la naturaleza, la identidad boliviana. Sus canciones se instalaron en el imaginario colectivo, siendo adoptados por artistas de diversas generaciones que reconocieron en ella a la gran matriarca de la canción de autor boliviana.

Más allá de los escenarios, Matilde Casazola ha dedicado gran parte de su vida a la docencia, compartiendo sus conocimientos de guitarra en centros como la Escuela Nacional de Folklore.

Su producción literaria corre en paralelo a la musical, con más de una decena de poemarios que consolidan su reputación como una de las voces líricas más importantes de Hispanoamérica. Es esta dualidad —el dominio de la palabra escrita y la melodía tejida— lo que la hace única.

El Estado boliviano le rindió uno de los mayores honores: el Premio Nacional de Cultura en 2017, mismo año en que fue reconocida con el Doctorado Honoris Causa por la Universidad Mayor de San Andrés.

ESPERANZA SPALDING-EEUU

 

Esperanza Spalding es una figura fundamental y contundente en el panorama musical contemporáneo, destacando como contrabajista, vocalista y compositora. Su carrera se caracteriza por el virtuosismo técnico y una constante exploración de géneros que desafía las convenciones del jazz.

En 2011, hizo historia al ganar el premio Grammy a Mejor Artista Revelación, siendo la primera artista de jazz en recibir este reconocimiento. Esto la catapultó al reconocimiento mundial.

Sus álbumes reflejan una fusión de jazz, funk, soul, pop, música clásica y ritmos brasileños. Más allá de su destreza como cantante, es una maestra del contrabajo y el bajo, capaz de improvisar con solvencia mientras compone letras en inglés, portugués y español.

 Ha sido docente de práctica musical en la prestigiosa Universidad de Harvard y en el Berklee College of Music. Ha colaborado con grandes figuras de la música como Stanley Clarke, Pat Metheny y Joe Lovano, lo que subraya su alto nivel técnico y su respeto dentro de la comunidad jazzística.

En resumen, Spalding no solo es una virtuosa del jazz, sino una artista que utiliza su extraordinaria capacidad intuitiva y creativa para expandir los límites del género, haciendo que la música de calidad y el jazz contemporáneo ocupen un lugar central en la atención mundial.

EMELY REMLER-EEUU

 

Emily Remler fue una guitarrista, compositora y líder de banda estadounidense que se convirtió en una de las figuras más importantes de la guitarra de jazz en la década de 1980. Su carrera, aunque trágicamente corta (murió a los 32 años), dejó un legado significativo en el género.

Remler fue reconocida por su extraordinaria técnica, su profundo sentido del swing y su dominio del lenguaje tradicional del bebop.

 Aunque su estilo se arraigaba en el hard bop, demostró gran versatilidad al incorporar elementos de Bossa Nova y música latina en muchas de sus composiciones, como resultado de haber realizado giras con la cantante Astrud Gilberto.

Fue elogiada por guitarristas veteranos como Herb Ellis, quien la llamó "la nueva superestrella de la guitarra de jazz". En 1985, fue nombrada Guitarrista del Año en la encuesta internacional de la revista Down Beat.

El mayor aporte de Remler a la cultura general y al jazz fue su papel como una artista consumada en un campo predominantemente masculino. Demostró que la maestría, técnica y la profundidad musical no tienen género, ganándose el respeto de sus compañeros por su habilidad y no por su estatus.

Su obra representa un puente entre el jazz clásico y las nuevas corrientes de los años 80, infundiendo el bebop con lirismo moderno y ritmos latinos.

CECILIA PAHL-ARGENTINA

 

Cecilia Pahl es una destacada cantante argentina cuya trayectoria se centra principalmente en la música del Litoral Argentino, actuando como una importante difusora de este repertorio a nivel nacional e internacional. Su aporte a la cultura radica en la investigación, reinterpretación y valorización de la música regional y en tender puentes entre lo popular y lo académico.

A pesar de haber recibido formación inicial en música clásica Pahl se volcó a la música de su región (Misiones), convirtiéndose en una referente de los sonidos fronterizos con influencias de Brasil y Paraguay.

Su debut discográfico como solista, Corochiré, estuvo dedicado íntegramente a la obra del compositor misionero Ramón Ayala, figura clave del folklore litoraleño. Este trabajo la consolidó como una intérprete profunda del gualambao y la poesía de Ayala.

Pahl realizó un significativo aporte al reinterpretar en clave popular, con arreglos modernos para voz y dos guitarras, obras de raíz folklórica de compositores de la música clásica argentina como Alberto Ginastera, Carlos Guastavino y Carlos López Buchardo. Con esto, rescata estas composiciones de la esfera lírica original para darles una nueva visión popular, conectando la música académica con sus raíces folklóricas.

Cecilia Pahl logra que la música litoraleña y sus compositores sean escuchados por públicos amplios, incluyendo aquellos fuera de su región, re-elaborando la música de su tierra y su paisaje con una estética renovadora.

CASSANDRA WILSON-EEUU

Cassandra Wilson (Jackson, Misisipi, 1955) es una de las vocalistas más influyentes y distintivas del jazz contemporáneo, reconocida mundialmente por su voz profunda, sensual y su audaz capacidad para fusionar géneros, trascendiendo las etiquetas tradicionales. Su carrera es un testimonio de creatividad constante y riesgo artístico.

Tras una breve estancia en Nueva Orleans, Wilson se traslada a Nueva York, donde se une al colectivo M-Base, un movimiento de jazz vanguardista y complejo liderado por Steve Coleman. Esta etapa inicial la consolidó en la escena neoyorquina, mezclando jazz con funk y rap.  

El mayor legado de Cassandra Wilson radica en su visión de que "todas las músicas viajan por un solo río", derribando las fronteras estrictas del jazz y expandiendo sus posibilidades:

Cassandra Wilson es, en esencia, una artista recolectora y transformadora que ha enriquecido el panorama musical global al demostrar que la tradición y la audacia pueden coexistir para crear un género propio, un sonido que es "simplemente, la reina de su propio género".

SUNA ROCHA-ARGENTINA

 

Suna Rocha es una destacada cantante folklórica argentina, nacida en Las Arrias, Córdoba, en el límite con Santiago del Estero. Con más de cuatro décadas de trayectoria, se ha consolidado como una figura central y fundamental en la difusión del folclore nacional, con una voz reconocida por su lirismo, fuerza y estampa criolla.

La música de Suna Rocha se caracteriza por varios elementos clave que definen su estilo e impacto.  Posee una voz de gran expresividad, que muchos describen como lírica y a la vez "áspera" o "criolla", capaz de transmitir la esencia profunda del cancionero popular. Su canto es una declaración de identidad y arraigo.

Su elección de temas se ancla firmemente en la identidad criolla y mestiza de Argentina. Ha interpretado a grandes autores y compositores, siendo notable su vínculo artístico con Raúl Carnota y su dedicación a la obra de este, lo que le ha permitido tener uno de los repertorios más ricos y de calidad de la música popular.

Más allá del escenario, ha utilizado su arte como una vertiente necesaria en la vida de los seres humanos, considerándola vital y salvadora, y ha sido una figura activa en la difusión del folclore.

MARIA SUAREZ-ARGENTINA

 

María Suárez es una artista argentina nacida en La Plata, con formación tanto en la música académica (Composición Musical y Guitarra Clásica en el Conservatorio Gilardo Gilardi y la Facultad de Bellas Artes) como en la música popular (guitarra jazz y canto popular/lírico). Desde 2006 se radicó en Neuquén.

Su trayectoria se caracteriza por la fusión de ambos mundos, creando un estilo propio. Ha compuesto una vasta obra que incluye piezas solistas, música de cámara, obras sinfónicas, corales y óperas, como su notable ópera prima "Secretos del árbol". También ha creado música original para teatro, cine y televisión. Sus composiciones han sido interpretadas por la Orquesta Filarmónica de Río Negro y la Orquesta de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto".

En el ámbito de la música popular, ha grabado álbumes como "Río Madre" (2009), "Fabulario" (2017), "Brasilerías" (2019) y "Respiraluz" (2019).

MEREDITH MONK-EEUU

 

Meredith Jane Monk (n. 1942) es una de las figuras más singulares e influyentes de la música contemporánea y el arte de vanguardia estadounidense, reconocida por su carrera de más de seis décadas como compositora, cantante, coreógrafa, directora y cineasta. Su obra desafía las clasificaciones tradicionales al integrar la música, el movimiento y los efectos visuales en interpretaciones profundamente emotivas e interdisciplinarias.

Nacida en un hogar artístico en Nueva York, Monk comenzó a tocar el piano a temprana edad y luego estudió canto, composición y danza en el Sarah Lawrence College. Esta formación multidisciplinaria sentó las bases de su enfoque artístico. A lo largo de su vida, ha manifestado un interés por el surrealismo, los paisajes psíquicos y una noción circular del tiempo, influenciada por el budismo, buscando crear arte como un "antídoto" y una alternativa en el mundo.

El aporte fundamental de Meredith Monk reside en la exploración innovadora de la voz humana. Es considerada una pionera de la "técnica vocal ampliada", utilizando la voz no solo para la comunicación verbal, sino como un instrumento primordial y elocuente en sí mismo.

El resultado es un lenguaje artístico único que ha influido en artistas contemporáneos y ha dejado una marca indeleble en la vanguardia, consolidándola como una de las compositoras más geniales de su tiempo.

LILA DOWNS-MEXICO

 

Lila Downs (Ana Lila Downs Sánchez) se erige como una de las artistas mexicanas más influyentes y respetadas a nivel internacional. Su carrera, forjada en una fusión musical y cultural única, no solo ha trascendido fronteras geográficas, sino también barreras de género, consolidándola como una figura clave en la World Music.

Nacida en Tlaxiaco, Oaxaca, con una herencia bicultural —padre estadounidense y madre indígena mixteca— Downs ha hecho de su identidad una poderosa declaración artística. Su formación como antropóloga es fundamental; su música no es solo entretenimiento, sino una profunda exploración de la historia, las tradiciones y la realidad social de México.

Su estilo musical es inconfundiblemente ecléctico. Utiliza su potente voz de contralto para navegar entre géneros tan diversos como la ranchera, el bolero y la cumbia mexicanos, y la complejidad armónica del jazz, el blues y el folk. Esta habilidad para entrelazar lo ancestral con lo contemporáneo, a menudo interpretando temas en español y en lenguas indígenas como el mixteco y el zapoteco, es lo que la distingue de sus contemporáneos.

DELIA DERBYSHIRE-INGLANTERRA

 

Delia Ann Derbyshire (1937–2001) fue una música y compositora inglesa, reconocida póstumamente como una figura seminal y una "heroína anónima" de la música electrónica británica. Su legado se forjó principalmente en el BBC Radiophonic Workshop durante la década de 1960, un centro de experimentación sonora.

Su obra más famosa y trascendental es la realización electrónica del tema musical para la serie de televisión de ciencia ficción Doctor Who en 1963. Partiendo de una partitura de Ron Grainer, Derbyshire manipuló minuciosamente grabaciones de tonos puros (generados con osciladores y cinta magnética) cortándolas, empalmándolas y alterando su velocidad y tono a mano. Creó un paisaje sonoro futurista y singular que fue uno de los primeros temas de televisión producidos enteramente con electrónica, sirviendo como base del tema principal de la serie durante 17 temporadas.

Aunque se retiró de la música a mediados de los 70 desilusionada por la dirección comercial del género, su trabajo fue redescubierto tras su muerte en 2001. Su archivo personal de más de 300 cintas reveló la magnitud de su obra. Hoy, su influencia es reconocida por artistas contemporáneos de la música electrónica cimentando su estatus como una de las figuras más importantes y visionarias en la historia del género.